domingo, 26 de agosto de 2012

Introducción




Primero que todo, ¿Qué es la danza?
  En resumen la danza es el primer impulso de comunicarse y de expresarse. Ésta comenzó mucho antes del lenguaje hablado. Relaciona al ser humano con la naturaleza. 
  La danza son movimientos corporales rítmicos que siguen un patrón, acompañados generalmente de música.
  Como todos sabemos, existen diversos tipos de danzas, en las cuales se encuentra El Ballet.

El Ballet

  El ballet, es un espectáculo coreográfico que puede incluir: danza, mímica y teatro.
  Desde la prehistoria el ser humano ha tenido la necesidad de comunicarse corporalmente, con movimientos que expresaban sentimientos y estados de ánimo.
  Esta danza teatral se desarrolló en la Italia del renacimiento (1400-1600). Los ballets italianos fueron ampliamente desarrollados en Francia. En un primer momento solo los hombres podían participar, y los papeles femeninos los realizaban estos mismos disfrazados. Las primeras bailarinas aparecieron en 1681 donde se estableció su técnica, diseño y ejecución. La nueva generación de bailarinas y bailarines  se les denominó postmodernos. El ballet existe en tanto que pieza autónoma, pero puede intercalarse, también, entre las escenas de una ópera o de una obra de teatro.


Comienzo del nuevo ballet

 Los coreógrafos que trabajaban fuera de París consiguieron una expresión más dinámica en sus ballets. Acortaron las faldas y empezaron a usar zapatillas sin tacón, para exhibir sus pasos y saltos, además integraron un nuevo elemento, llamado “la barra” que es una larga y delgada pieza de madera o metal utilizada como apoyo en los primeros ejercicios de la clase. Hay seis posiciones básicas:
  • 1ª posición. Los dos pies en línea recta, unidos por los talones.
  • 2ª posición: Los pies en la misma línea recta, pero separados por unos 30 centímetros
  • 3ª posición: Los pies juntos unidos por su parte media uno delante del otro.
  • 4ª posición: Los pies separados en línea vertical hacia delante separados unos 25 centímetros.
  • 5ª posición: los pies se unen en sentido inverso; ambos talones mirando hacia fuera, juntándose así los dedos del pie de uno con el talón del otro.
  • 6ª posición: los dos pies juntos y unidos por el lateral interior de los pies.

Vestuario

A lo largo de los años, el ballet ha tenido una importancia como una disciplina artística y ha sufrido transformaciones en el vestuario de acuerdo a los tiempos. Las principales prendas que se deben llevar son:
  • Zapatillas de punta: Las puntas son unas zapatillas especiales, que las bailarinas adquieren para poseer una formación básica para sus pies.
  • Tutú: Debe ser un instrumento de esplendor visual para la audiencia, proporcionando placer y seguridad a la hora de bailar.
  • Leotardo: Prenda, generalmente de lana, que cubre y define el cuerpo desde la cintura hasta los pies.

  

 

Tipos de Ballet

  A continuación, les contaremos sobre 5 tipos de ballet, icluyendo su historia, algunas técnicas y además los principales bailarines y/o bailarinas de cada estilo. Éstos son:   
  • Ballet Clásico
  • Ballet Neoclásico  
  • Ópera-ballet
  • Ballet Romántico 
  • Ballet Moderno 


viernes, 24 de agosto de 2012

Ballet clásico - Por Macarena Urbina

El ballet clásico  se originó a finales del siglo xv, a partir de los números de danza que se representaban en los festines de las cortes italianas. Estos elaborados espectáculos que desprendían pintura, poesía, música, y danza tenían lugar en grandes salas que se utilizaban tanto en banquetes como para bailes.
Los ballets cortesanos italianos fueron ampliamente desarrollados en Francia. El Ballet cómico de la Reina, fue el primer ballet con una partitura completa, se estrenó en París en 1581. Fue creado por Beaujoyeux y bailado por aristócratas aficionados en un salón con la familia real sobre un estrado al fondo y los espectadores en las galerías de los otros tres lados del salón. Ello determinó el carácter de los futuros ballets cortesanos, que surgieron en el siglo XVII en las diferentes cortes europeas con sus presuntuosos vestuarios, decoración, fuentes artificiales, luminotecnia, etc.

   El ballet de corte alcanzó su cumbre durante el reinado de Luis XIV (1643-1715), cuyo nominativo de “Rey Sol” derivó de un papel que ejecutó en un ballet. Muchos de los ballets presentados en su corte fueron creados por el compositor italiano francés Jean Baptiste Lully y el coreógrafo francés Pierre Beauchamps, a quien se atribuye la determinación de las cinco posiciones básicas de colocación.
Las posiciones básicas del ballet clásico suponen la colocación conocida de manera universal y utilizada por todos los bailarines como punto de partida de todos los movimientos.
1ª posición: Gira los pies hacia fuera juntando los talones. Se debe girar cada pierna a partir de la cadera, no del pie.
2ª posición: se debe girar los pies igual que en la primera posición, pero con las piernas algo separadas y las plantas bien pegadas al suelo. El espacio entre los talones corresponderá al largo de un pie.
3ª posición: se debe cruzar un pie a medias delante del otro. No se debe olvidar que no trabajan sólo los pies, sino también las piernas, mientras el cuerpo se mantiene erguido. El peso del cuerpo debe repartirse equilibradamente entre ambas piernas.
4ª posición: Ésta es la más difícil, porque resulta muy duro mantener la abertura. Se debe colocar un pie exactamente delante del otro dejando un espacio entre ellos. (La distancia entre los pies corresponderá aproximadamente a la medida de uno de ellos).
5ª posición: se estudia esta posición cuando ya se haya aprendido a mantenerse erguido/a y fortalecido pies y piernas. Los pies están separados, completamente cruzados y tocándose firmemente.
En 1661, Luis XIV fundó la “Academia Real de la Danza” para maestros. La danza empezaba a configurarse como una disciplina profesional.
El ballet clásico es el más formal dentro de los estilos de ballet, ya que en éste se ocupa la técnica tradicional de ballet.
Es un género dramático cuya acción es representada por medio de mímicas y danzas. Es, también, el nombre específico dado a una forma concreta de danza y su técnica. Según las épocas, los países o las corrientes el espectáculo coreográfico puede incluir: danza, mímica, texto, música, decorados y maquinaria.


El bailarín debe conocer y manejar a la perfección su propio cuerpo, desarrollar el tono muscular adecuado, fuerza y resistencia, además de una postura adecuada para mantener en condiciones su estructura ósea. Exige muchos años de preparación en forma y técnica. El vestuario propio son los leotardos y las medias, con una falda opcional (tutú). Las bailarinas usan zapatillas de media-punta hasta que sus huesos sean lo suficientemente fuertes y estén entrenados para usar y soportar las zapatillas de punta; los bailarines solo utilizan zapatillas de media-punta y en escasas ocasiones de punta para trabajar huesos de los pies como el empeine. Los huesos de los tobillos y de los pies deben ser lo suficientemente fuertes para ir en punta.
En la actualidad se ha ido diversificando el ballet clásico, desde las técnicas y la soltura a la hora de bailarlo, siendo estas primeras la herramienta principal con la que se forma a un bailarín, la técnica proporciona la base del baile, para que con ella el bailarín sea libre de poder expresar lo que a él le plazca.
"... los grandes bailarines no son geniales por su técnica, son geniales por su PASIÓN"
Martha Graham.
Al expresar su pasión por lo que sienten al bailar esta danza, es lo que lleva a que el público sienta una gran conexión con el bailarín, ya que si éste presenta técnica pero no demuestra algo mas allá que su afán por la danza,  no va a ser el verdadero bailarín de ballet clásico que demuestra sus emociones y sentimientos más profundos.
El hecho de poseer una técnica académica sólida y ser uno mismo, permite bailar cualquier danza aprovechando al máximo este maravilloso y complejo instrumento: el cuerpo humano.

Ballet Neoclásico - Por Rosario Betanzo

¿Qué es neoclasicismo?
Neoclasicismo Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo XVIII, que aspiraba restaurar el gusto y las normas del clasicismo. En la época neoclásica, la Inspiración en las obras clásica, que se tienen por perfectas y definitiva fue un tema principal. Además una aspiración a la belleza ideal, nacida de la exacta relación de las partes del cuerpo, según medidas dadas por la razón.




Historia del ballet neoclásico
• Neoclasicismo- para designar un período histórico y estilístico de la danza que comienza a gestarse en 1909, cuando Diaghilev y los Ballet Russes irrumpen en la escena Europea , se define a mediados del siglo XX con Lifar y Balanchine y llega hasta las postrimerías del siglo XX y principios del XXI.
• El término "Ballet Neoclásico" aparece en 1920 con Sergei Diaghilev’s, en respuesta a los excesos del romanticismo y modernidad. El término neoclasicismo surgió en pleno siglo XIX para denominar al movimiento estético que venía a reflejar en las artes intelectuales de la Ilustración.
• El ballet neoclásico se trata de un espectáculo capaz de recrear y expresar todo tipo de emociones al máximo y movimientos artísticos puntales a los que se debía admirar y criticar. En el ballet clásico el movimiento está compilado por las cinco posiciones básicas, las puntas, los pliés, etc.; pero en el ballet neoclásico, a pesar de que se utilizan técnicas del clásico, se rompe con la estructura de los pasos.

Técnica
• La técnica procede de la académica, pero las formas y pasos adquieren una dimensión expresiva menos encorsetada y con mayor fluidez en torso y extremidades.
• El ballet neoclásico necesita de una técnica que le de sostenimiento, le otorga a la danza un carácter innovador y revolucionario.
Las técnicas tanto de la danza clásica como la neoclásica, representan una de las
necesidades humanas: expresar sus emociones y sentimientos a través del cuerpo.

Vestimenta
La vestimenta sigue siendo la misma, se utilizan zapatillas de punta o media punta (según la experiencia del bailarín) y el vestuario debe ser cómodo y siempre marcando el cuerpo para poder ver con más precisión cada uno de los movimientos.



Posturas
La danza neoclásica, hemos dicho, adopta fórmulas diversas a partir de los cincuenta, desde las
• posturas más refinadas como las de Lifar, Asthon, Tudor, Mac Millan,
• hasta las más atrevidas de Cranko, abstractas de Balanchine y expresiva de Robbins pasando por el eclecticismo de Béjart, Petit, hasta
• las más radicales y sincréticas de Neumeier, Forsythe, Kylián y quizás Mats Ek o van Manen que podrían situarse en el límite de lo que pudiéramos identificar como neoclásico.
Famosos bailarines
• Serge Lifar, fue uno de los más famosos y grandes bailarines de ballet y coreógrafos del siglo XX, de origen ucraniano.
• Anna Pavlova
• Raymond Petipa
• Rudolph Nureyev
• John Cranko
• Martha Graham
• George Balanchine.
• Natalia Makarova
• Liliana Belfiore
• Ana María Stekelman
• Sergei Diaghilev

“El ballet neoclásico surge bajo los principios de la libertad y la autenticidad del gesto expresivo”- Sergei Diaghilev.


George Balanchine (1904 –1983), maestro de ballet, fue uno de los coreógrafos más destacados del ballet estadounidense, y uno de los fundadores del estilo neoclásico. Su obra crea un puente entre el ballet clásico y el ballet moderno. Creador del Método Balanchine es una de las figuras capitales del ballet del siglo XX.
Enigma fue otra de sus primeras obras. Esta pieza fue concebida para ser bailada sin zapatillas, A través de esto, el teatro coreográfico lleva el sello de la creación de ballets bastante confusos y montados sobre conceptos nuevos: el futurismo y el constructivismo(neoclásico). Mas adelante, Diáguilev nombra a Balanchine como su sucesor en Les Ballets Russes.


Estilo Balanchiano
Sus enseñanzas han marcado generaciones al haber establecido una nueva cultura de baile Ruso-Americano siendo así un estilo neoclásico. Las coreografías de Balanchine no eran dependientes de las habilidades de las bailarinas, la trama o los conjuntos, sino la danza. El drama incluía baile y movimientos que se relacionaban únicamente con la música siendo el movimiento del cuerpo creador de la emoción artística.
"Lo importante en el ballet es el movimiento en sí mismo. Un ballet puede contener una historia, pero el espectáculo visual... es el elemento esencial. El coreógrafo y el bailarín deben recordar que ellos llegan a la audiencia a través de la mirada; Es la ilusión creada con la cual convencen al público, muy similar al trabajo de un mago.” -(George Balanchine)

Obras del ballet neoclásico
• Enigma
• La bayadera
• El joven y la muerte
• Pink Floyd Ballet
• Carmen
• Notre Dame de París
• La arlesiana


Ópera-ballet - Por Karen Maldonado



La ópera-ballet es un género lírico que fue practicado en Francia en el siglo XVIII. Éste proviene de otro tipo de ballet llamado ballet cortesano.
La Ópera-ballet se toma como una forma de “entretención trágica”, ya que estos espectáculos nacieron de la “tragedia lírica”, y fueron creados para entretener. La ópera-ballet se diferencia de la tragedia lírica porque reduce la cantidad de tiempo de canto y aumenta la cantidad del tiempo de baile.
"El fantasma de la ópera"

Éstos pueden componerse de un prólogo y de varios actos, al igual que las obras teatrales, en los cuales los temas principales son los sentimientos amorosos. La gran mayoría de los personajes en estas obras, se enamoran de otro y tienen su propia “historia de vida”, la cual se va entrelazando con las otras historias de los otros personajes en el desarrollo del espectáculo, la cual resulta ser muy interesante y entretenida para su público; en la mayoría de los casos de estas obras, terminan en una tragedia.
Una de las primeras óperas-ballet fue compuesta por André Campra: “La Europa galante” en el año 1689. El éxito que tuvo esta obra fue copiado por otros autores, como por ejemplo el destacado Rameau con “Las Indias galantes” que trataba de las aventuras amorosas en distintos países del mundo, con la música más “completa”, por así llamarla, en este género.
Louis de Cahusac, el cuál era el mejor libretista de Rameau y también uno de los principales poetas de las óperas-ballet, puso en escena a personajes contemporáneos, como por ejemplo a héroes mitológicos, los cuales eran los más apreciados por la tragedia musical.
Mezclando comedia y fantasía, diversos decorados y trajes (que se cambiaban en cada entretiempo), la ópera-ballet se hace perteneciente al género narrativo.

Compañía, escuelas y academias:
En París Francia, en el año 1661, se creó la primera Compañía de ópera y ballet, llamada “Ballet de la Ópera de París” la cual estuvo a punto de decaer a fines del siglo XIX, pero afortunadamente la decadencia de la compañía fue detenida por Jacques Rouché, director de la Ópera de París, ya que Rouché contrató a algunos de los mejores bailarines rusos, entre los cuales se encontraban: Michel Fokine, Anna Pávlova y Bronislawa Nijinska. Además en 1930, éste renunció a la compañía dejando al mando al famoso bailarín y coreógrafo, Serge Lifar (nacido en Ucrania) como director de ésta.

"Ballet de la Ópera de París"
Lifar escribió una autobiografía declarando tímidamente "la danza es mi amante", para evitar revelaciones mayúsculas sobre sus enredos románticos con hombres y mujeres influyentes, ya que en sus tiempos eso era muy mal visto.
Volviendo a la compañía, ésta en un principio contaba con una escuela, llamada “Escuela de danza de la ópera” (creada en 1713), y también con una academia, llamada “Academia real de la danza” (de la cual no se sabe en qué año fue creada). En estas dos instituciones los bailarines desarrollaron técnicas del ballet clásico. Luego en 1832, la compañía abrió la era del ballet romántico, presentando una obra llamada “La Sylphide de Filippo Taglioni. Entre los bailarines de la compañía de este periodo se encontraban: Jules Perrot, Arthur Saint-Léon, Fanny Elssler y Carlotta Grisi (quien creó el rol titular de Giselle en la Ópera de París en 1841).
En esta escuela, clasificaban a los bailarines en cinco rangos (de forma jerárquica) dependiendo de cuan buenos eran, es decir, dependía de cuanto talento y capacidad tenía cada bailarín. El mayor rango era “Étoiles” (que en español significa estrellas), donde se encontraban los mejores bailarines de la academia. Luego de ellos, seguían los “premiers danseurs” y, formando parte del cuerpo de baile, estaban los “sujets”, “coryphées” y “quadrilles”.

Las compañías de ballet continúan clasificando a sus bailarines en forma jerárquica, aunque la mayoría han adoptado un sistema de clasificación sexo neutro. En la mayoría de las grandes empresas, por lo general hay varios bailarines principales de cada sexo, titulado Bailarín Principal o Étoile, para reflejar la antigüedad de la empresa. Otras clasificaciones comunes son los de Corps de Ballet y Solista. El título de “Prima Ballerina Assoluta” se utiliza muy poco, y es generalmente reservado como una señal de respeto por una bailarina de fama internacional que ha tenido una carrera muy notable. Los bailarines que se identifican como artista invitado, suelen ser los que han alcanzado un alto rango de su empresa, y posteriormente se han comprometido a bailar con otras compañías de ballet de todo el mundo, normalmente realiza el papel principal.

Como podemos notar, estas presentaciones se funden con la música, por lo que se creó “La Ópera de París” la cual es una institución musical, fundada en París por Luis XIV en 1669 con el nombre de “Académie Royale de Musique”. Ésta es una de las instituciones de su clase más antiguas de Europa.

“Académie Royale de Musique”
 
Pequeño comentario:
Pienso que la ópera-ballet es uno de los bailes más artísticos y fascinantes de la danza en su totalidad, ya que se combina el arte de la danza con el arte del canto y de la música, que dan como resultado una espectacular obra de teatro.
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